Период развития художественной культуры начала XX века получил название "серебряного" в сравнении с "золотым" пушкинским. Его прологом считается речь Ф.М.Достоевского на празднике по поводу открытия в Москве памятника А.С.Пушкину (1880 г.), а эпилогом - речь А.А.Блока "О назначении поэта" (1921 г.), также посвященная Пушкину.

Основным направлением в "русском ренессансе ХХ века" является символизм как новая форма романтизма, который означал искания духовного порядка, обращаясь к мистике, к грядущему, к ожиданию необыкновенных, трагических событий.

Русская литература в первой половине XX века.

В русской литературе этого периода происходит возвращение к личности человека, сосредоточенного на сложном мире собственного "я", его стремлении к гармонии, красоте. Эти признаки мы прослеживаем в произведениях старших символистов (Д.Мережковского, З.Гиппиус, В.Брюсова, К.Бальмонта, И.Анненского). Стремление совместить общественные идеалы с личными свойственно младшему поколению символистов (А.Блоку, А.Белому, Вяч. Иванову).

Среди новых литературных течений появляются футуризм, который в своем стремлении создать искусство будущего отрицает традиции культуры и культивирует эстетику урбанизма и машинной индустрии, и акмеизм, который олицетворяет собой высшую степень чего-либо, цветущую силу, провозгласивший освобождение поэзии от символических порывов, многозначности и текучести образов, означающий возврат к материальному значению слова. Акмеистами были Н.Гумилев, С.Городецкий, А.Ахматова, Г.Иванов, О.Мандельштам. Футуристы: К.Асеев, Б.Пастернак, И.Северянин, В.Хлебников.

Нельзя не отметить начало творчество таких русских поэтов, как В.Маяковский и С.Есенин. Более подробно Вы, очевидно, познакомитесь с этой эпохой в курсе русской литературы.

Русское изобразительное искусство первой половины XX века.

Идеи времени отразились в творчестве русских художников первой половины XX века. Появилось новое, по сравнению с искусством передвижников, отношение к проблемам человека и общества, в котором ощущается тревожное и радостное предчувствие перемен. Это было время расцвета портретного искусства графики, театрально-декорационного (декоративного) искусства.

Ведущим жанром в изобразительном искусстве является портрет, который отражает высокую гражданственность, реализм и современные формы пластического выражения, утверждая в них образы лучших людей своего времени и беспощадно обличая лицемерие и светскую пустоту.

Все это присуще портретному творчеству русского художника В.А.Серова, которые отличаются разнообразием типов по их положению в обществе и по отношению к ним художника - от восхищения до иронии и обличения. В портрете Веры Мамонтовой ("Девушка с персиками") ощущается свет и воздух, трепетное тепло. В портретах Морозова, Гиршман, Орловой чувствуется обличительная ирония и удивительное по точности проникновение в сущность образа. Серову удается передача тонких оттенков характера через движение рук, поворот головы, цветовое решение художественного образа. Художник создает в это время портреты деятелей культуры: Горького, Ермоловой, Шаляпина. Искусствоведы отмечают просветленность и полнозвучность живописи Серова, тонкость рисунка, мастерство композиции, вобравшие в себя опыт русского и мирового изобразительного искусства.

Философское осмысление жизни, мысль о величии и непобедимости человеческого духа - основной лейтмотив творчества М.А.Врубеля. Его произведения наполнены страстным протестом и неприятием мира мещанства, стремлением "будить души людей от мелочей будничных величавыми образами". Романтические традиции полотен Врубеля дополнены символикой и аллегорией. Через весь период его творчества проходит тема Демона как олицетворение титанической силы, могучей внутренней борьбы, выражения чувств и стремлений гордой, тоскующей, протестующей, но бессильной в своем одиночестве личности ("Демон сидящий" и "Демон поверженный"). Основой вдохновения Врубеля является живой источник сказочных и былинных образов. В картинах "Пан", "К ночи", "Царевна Лебедь" ощущается совершенство, красота, гармония, пластическая выразительность образов. Силой психологических характеристик отличаются портреты С.Мамонтова, Н.Забеллы-Врубель.

Нельзя не отметить такое объединение русских художников как "Мир искусства". которое появилось в полемике с искусством передвижников, исчерпавшим к началу XX века свои возможности. В основе творческих исканий художников было стремление определить новые задачи искусства, что сближало их с литераторами - символистами. Велика просветительская роль "Мира искусства". Особенно хочется отметить роль С.Дягилева как руководителя объединения, талант которого нашел свое воплощение в организации множества просветительских выставок, в том числе "Русских сезонов в Париже". К этому творческому объединению относились: А.Н.Бенуа, живописец и график, театральный художник, ученый, один из организаторов объединения ("Медный всадник"); К.А.Сомов, изысканный и утонченный художник, мастер рисунка ("Дама в голубом", портреты Блока, Рахманинова); художник города М.В.ДОБУЖИНСКИЙ; исследователь Древней Руси Н.К.Рерих ("Гонец", "Заморские гости"); Б.М.Кустодиев, в творчестве которого особое место занимала народная тема ("Масленица").

Верой в созидательные силы революции исполнены картины художника А.Дейнеки ("Оборона Петрограда"), А.РЫЛОВА ("В голубом просторе"). Явно чувствуется ветер перемен в произведениях К.С.Петрова-Водкина("Купание красного коня", "Смерть комиссара", "Петроградская мадонна","1918 г. в Петрограде").

Уникальное место не только в русской, но и во всей мировой культуре занимает такое явление начала XX века как "Русский авангард", художники которого занимались поиском новых средств художественной выразительности. В.Кандинский приходит к беспредметной живописи, начинает писать композиции, основой которых является цвет в его эмоциональном выражении("Импровизация", "Синий гребень", "Cиний всадник", "Композиция(Серый овал)"). К.Малевич("автопортрет", "Точильщик", "Беспредметная композиция", "На жатву") изобретает супрематизм, новый творческий метод, который стремится к освобождению от сюжета, движению к "чистой" живописи. Идея постоянного развития, роста, сложности явлений и неисчерпаемости мира является ведущей для уникального искусства П.Филонова ("Голова", "Цветы мирового расцвета", "Трое за столом", "Крестьянская семья").

Русская музыка в первой половине XX века.

Большое влияние оказала влияние предреволюционная атмосфера России на творчество русского композитора А.Н.Скрябина. Своеобразным качеством композитора была мистическая вера в преобразующую силу музыки. По стилю своего творчества Скрябин был близок к искусству литературного символизма ("Поэма экстаза"). Композитор создает свою теорию цветомузыки, итогом которой является поэма "Прометей", для которой была написана специальная световая партитура. Скрябиным были созданы фортепьянные произведения, в которых он продолжил традиции Ф.Шопена ("Этюд №12").

Противоречия революционной эпохи отразились в творчестве русского композитора И.Ф.Стравинского. "Русский период" Стравинского (до эмиграции) - наиболее плодотворный по эстетической ценности созданных произведений и по значению для дальнейшего развития искусства композитора. В этот период его творчество связано с отечественными музыкальными традициями. Он испытывает влияние Н.А.Римского - Корсакова, проявляет интерес к древним обрядам русского крестьянства, что отразилось в балете "Весна священная". Другому его балету "Петрушка" присущи гуманистический смысл, яркая театральная драматургия, наглядность звуковых образов.

Предчувствие революционных бурь и потрясений отразилось в музыке С.В.Рахманинова. Его Третий концерт для фортепиано с оркестром, кантата "Колокола" наполнены романтическим пафосом, мужественной силой, поэзией русской природы.

В первой половине XX века начинал свое творчество русский композитор С.С.Прокофьев. В балете "Ромео и Джульетта" композитор задумывает и исполняет смелый и сложный замысел - средствами балетного искусства раскрыть глубокий конфликт трагедии Шекспира - столкновение светлой любви с дикостью предрассудков. Яркая театральность музыки породила специфические формы драматического действа: сцены - портреты, сцены - диалоги, массовые сцены - действия.

Другим произведением, раскрывающим еще одну грань творчества Прокофьева, является кантата "Александр Невский", которую он создал на основе музыки к одноименному фильму. Для этого произведения характерны зримая образность ясность и лаконизм идей.

Рекомендации к теме

ХХ век привнес в искусство ноты распада. Появляются художники, которые отражают это в своем творчестве. Главным из них был испанский художник Пикассо, который в своих произведениях идет не путем синтеза, характерным для любого большого мастера, а путем анализа. Пикассо играет с нами, разбивая художественный образ на мелкие осколки, перемешивает его, бросает на полотно, включая зрителя в эту захватывающую дух игру. Он предоставляет нам собрать образ, узнать в разрозненных частях то целое, что послужило ему моделью. Пикассо формулирует задачу искусства следующим образом: "Я пишу не то, что я вижу, я пишу, как мыслю".

Другой испанский художник Сальвадор Дали, используя классические живописные формы, создает ощущение нереальности, бреда, пограничных ситуаций человеческой психики. Поэтому с полным правом можно сказать, что Дали пишет не то, что видит, чувствует или знает. Дали пишет, как бредят. Картины этого художника красивы и неприятны одновременно. В них тайна, ужас, загадка и фантастика. Эти произведения трудно трактовать. Сам Дали говорил: "Вы спрашиваете о смысле моих картин? Я не знаю в чем он… Но это не значит, что там его нет!".

Значительное место занимают представители русского авангарда. Их картины нуждаются в особом отношении. Кандинский выплескивал на полотна свои эмоции. Его художественные образы не имеют четких очертаний, поэтому не надо искать в его картинах знакомые символы. Их там нет. Его картины надо почувствовать. На полотнах Малевича предстают образы, наоборот, включенные в придуманные им формы. Камнем преткновения является для большинства зрителей его знаменитый "Черный квадрат". Это самое сложное для понимания и восприятия произведение русского авангарда. Если очень коротко сказать, то это "космическая черная дыра" на фоне белого безмолвия. В белом молчании рождаются художественные образы. В "черной дыре" они исчезают и скапливаются, ожидая своего часа. Другой представитель русского авангарда Филонов строит свои картины как соты. И если у Кандинского и Малевича звучат космические мотивы, то Филонов уходит в глубины человеческого подсознания, как в бездонные люки.